Francesca Wilmott über „Drum Listens to Heart“

Ansicht von „Drum Listenes to Heart“, 2022–23. Von links: Milford Graves, Pathways of Infinite Possibilities: Yara, 2017; Harold Mendez, aber ich klinge besser, seit du mir die Kehle durchgeschnitten hast, 2016; Luke Anguhadluq, Drum Dance, 1970; Milford Graves, Bikongo-Ilfá: Spirit of the Being, 2020; Milford Graves, Pathways of Infinite Possibilities: Skeleton, 2017.

„Beginnen wir mit der Trommel, entfernen uns aber Stück für Stück von ihr, bis nur noch das Gefühl ihrer Präsenz im Raum übrig bleibt.“ Dieser Wandtext, verfasst von Anthony Huberman, dem ehemaligen Direktor und Chefkurator des CCA Wattis Institute, eröffnete „Drum Listens to Heart“, eine ehrgeizige Präsentation, die sich über sechs Monate und drei Kapitel im Raum erstreckte. Mit Werken von 25 Künstlern, einem Pop-up-Plattenladen und einer Reihe von Vorträgen und Performances, die vom stellvertretenden Kurator Diego Villalobos organisiert wurden, war die Ausstellung die erste große Gruppenausstellung der Institution seit vor der Pandemie. Vor drei Jahren kamen Menschen auf der ganzen Welt zusammen, um Töpfe und Pfannen aus ihren Fenstern zu werfen und damit ihre Solidarität mit den Mitarbeitern des Gesundheitswesens zu zeigen. Ihre behelfsmäßigen Trommeln verkündeten: „Wir leben noch.“ Trommelschläge begleiten Heilungsrituale und Schlachtrufe gleichermaßen und markieren wichtige Lebensereignisse für Kulturen auf der ganzen Welt. In Hubermans Händen dient das Schlaginstrument auch dazu, die bildende Kunst von restriktiven Dichotomien zu lösen.

Huberman entlehnte den Titel der Ausstellung vom verstorbenen Free-Jazz-Schlagzeuger, Künstler und Allround-Universalgelehrten Milford Graves (1941–2021), der ein selbstgebautes EKG-Gerät entwickelte, mit dem er Partituren komponieren konnte, die von der Unregelmäßigkeit des menschlichen Herzschlags inspiriert waren. („Werfen Sie Ihr Metronom weg und hören Sie auf Ihr Herz“, flehte er andere Musiker an.) In seiner Mixed-Media-Skulptur Pathways of Infinite Possibilities: Skeleton, 2017, die sich in der ersten Galerie befindet, schulterte ein menschliches Skelett eine Trommel mit der Aufschrift des Titels Phrase. Über seiner Brust spielte ein Monitor ein Video eines schlagenden Herzens ab.

Beim Verlassen des lichtdurchfluteten Raums betrat man eine gebärmutterähnliche Installation, batu knŋ XII-rh/ babhi-brat kal Eyongakpa. Als man über Holzspäne auf dem Boden ging, bemerkte man, dass Pilzschwaden mehrere Wandpaneele hinaufkrochen – der Pilz erzeugte einen stechenden, erdigen Geruch. Ein Lautsprecher verstärkte das Live-Tropfen des Wassers, das in durchsichtigen Röhren durch den Raum geleitet wurde, und trug so zur feuchten, höhlenartigen Atmosphäre des Werks bei. Eyongakpas polyrhythmische Umgebung wurde von Höhlen inspiriert, in denen vertriebene kamerunische Dorfbewohner in Zeiten politischer Unruhen Zuflucht suchten. Die Besucher wurden ermutigt, auf einer der acht vibrierenden Munitionskisten zu sitzen, deren Rhythmen körperlich und ahnungsvoll zugleich waren.

In der dritten Galerie hingen sieben Bronzeglockenskulpturen von Davina Semo mit langen schwarzen Ketten von der Decke. Bei Aktivierung erzeugte eine der Glocken einen brüllenden Gong – ein Klang, der im Widerspruch zur glitzernden rosa Oberfläche des Werks zu stehen schien. Seine aerodynamische Form erinnerte an eine Rakete oder Kugel: eines der vielen Symbole militaristischer Gewalt, die die Show durchdrangen.

Um „Drum Listens to Heart“ vollständig zu erleben, musste man immer wieder darauf zurückgreifen. Als ich zum Wattis zurückkam, hatte sich die Installation verändert, doch die oben genannten Werke hinterließen eine gespenstische Präsenz. Nehmen Sie das Video „Gone are the Days of Shelter and Martyr“ von Theaster Gates aus dem Jahr 2014, das in demselben dunklen Raum präsentiert wurde, in dem sich einst Eyongakpas Klangumgebung befand. Gates‘ Video konzentrierte sich auf vier Männer in den Ruinen einer Kirche auf der Südseite von Chicago. Ihre elegischen Stimmen und ein Cello untermalten das donnernde Geräusch einer Holztür, die die Männer immer wieder aufstellten und die unweigerlich umkippte. Wie die hallenden Munitionskisten, die die Heiligkeit von Eyongakpas düsterem Zufluchtsort bedrohten, drang die Welt in Gates‘ Video in die einst heilige Kapelle ein.

„Freiheit für jeden“, schreibt Huberman im begleitenden Katalog zur Ausstellung und beruft sich dabei auf den Dichter und Theoretiker Fred Moten, „passiert zwangsläufig im Schnitt, in der Pause, im Zustand der Flucht.“ In „Drum Listens to Heart“ kommt es zu diesem Bruch sowohl zwischen den verschiedenen Teilen der Show als auch innerhalb der Bedeutungslücken, die durch die zusammengestellten Werke entstehen. Beim Verlassen der Ausstellung erlangte man ein gesteigertes Bewusstsein für die perkussiven Signale, die den täglichen Rhythmus des Lebens bestimmen: E-Mail-Benachrichtigungen, Textnachrichten, Telefonalarme. Als ich zurückkam, um mir die letzte Ausgabe der Ausstellung anzusehen, erinnerte mich eines von Rie Nakajimas motorisierten Objekten – eine Kette, die gegen eine Blechdose schlägt – an eine Glocke und ihre Beziehung zu Semos Werk. Glocken symbolisieren Freiheit, verkünden den Tod und warnten einst vor möglichen Angriffen in Kriegszeiten. In Hubermans Abgesang im Wattis – er ist jetzt Geschäftsführer der John Giorno Foundation in New York – klangen alle diese Bedeutungen wahr.

— Francesca Wilmott