Thornton Dial: Handschrift an der Wand

Die erste große Ausstellung für Thornton Dial in Los Angeles, Handwriting on the Wall, stellt eine fortlaufende kuratorische Entscheidung von Blum & Poe dar, sich mit dem zu befassen, was einst als „Outsider“-Kunst des tiefen Südens bezeichnet werden konnte. Zu der Ausstellung gesellt sich eine weitere, kuratiert von Dials Freund und Landsmann aus dem Süden, Lonnie Holley – der 2022 eine Einzelausstellung in der Galerie hatte – und gleichzeitig im Raum läuft. Der Instinkt des Kunsthistorikers könnte darin bestehen, dieses Werk in die Schranken zu weisen, indem er Vergleiche anstellt und Verbindungen zwischen Dial, einem autodidaktischen Schwarzen aus dem Jim-Crow-Süden, und etablierteren Persönlichkeiten wie Robert Rauschenberg herstellt oder ihn über einige miteinander in Verbindung bringt Sinn für Rasse und Methode (Assemblage) bis hin zu den bekannteren Praktiken von Noah Purifoy oder Betye Saar. Aber für diesen Betrachter, ein Kind eines späteren und privilegierteren Südens, bestand das Vergnügen darin, noch einmal auf „Yard Work“, wie man es nennen könnte, zu stoßen und darüber nachzudenken, wie es hier in einer prestigeträchtigen Galerie in Los Angeles ankam, auch wenn es dort blieb zum Beispiel zurückhaltender als die Arbeit, die man bei Besuchen solcher Stätten meiner Jugend fand.

Die Frage nach dem Ort war auch Dials Sache, und zahlreiche Kompositionen in der Ausstellung spielen mit der Frage, wo genau sich eine befindet: Eine Assemblage, Outside the Wall (2012), erinnert an eine mit Weinreben bewachsene Backsteinmauer. Seine Behinderung und Beeinträchtigung unserer Vision erinnert an Gordon Parks berühmtes Foto, das 1956 im Life-Magazin veröffentlicht wurde: Outside Looking In, Mobile, Alabama, das sechs kleine schwarze Kinder zeigt, die durch einen Maschendrahtzaun einen Jahrmarkt betrachten. „The Freedom Side“, ein weiteres Werk aus dem Jahr 2012, scheint mit seinem mit Denim bedeckten und blau übermalten Boden den offenen Himmel zu betonen. Handwriting on the Wall (2015), nach dem die Ausstellung benannt ist, zeigt vier geradlinige Formen auf grauem Grund – vielleicht Plakate vor einer Wand – mit auf der Oberfläche befestigten Textzeilen, die durch Stacheldraht gekennzeichnet sind. Mit Bezug auf körperliche Arbeit, Weiden im Süden und Gefängnis, ganz zu schweigen von den Nachwirkungen der vielen Formen der Folter durch einen Pöbel, deuten diese Telegramme darauf hin, dass die Geschichte für Dial auch dann noch nachhallte, als er sich dem Ende seines Lebens näherte. Dial war nicht nur in seiner Interpretation des Südens auf historische Belange bedacht, sondern auch in weitreichenden zeitgenössischen Ereignissen, darunter dem 11. September und dem Krieg im Irak.

Als Tochter eines Zeitgenossen von Dial erkannte dieser Zuschauer sofort die landestypischen Echos in der gesamten Show: Schweine, Hühner und natürlich auch Maultiere und Welse; der Schlamm und Dreck, die Verwendung und Wiederverwendung von Materialien, die fruchtbare Realität dieser dicken Luft und die Brutalität der Arbeit. Pig's Life aus dem Jahr 2000 enthält buchstäblich Schweineblut und Schweineborsten in einer schlammigen Zusammenstellung. Zu diesen Schwierigkeiten im ländlichen Raum wären später auch besondere Herausforderungen bei der Arbeit unter dem verschmutzten Himmel der Industrie in Birmingham, Alabama, gekommen. Aber Dials Arbeit erlaubt es uns nicht, diese Realität so sehr zu fetischisieren, wie sie im Material vor uns zu finden. Viele seiner Oberflächen sind bearbeitet und überarbeitet und erinnern an die brutalen Flächen von Jean Dubuffet; In einem Interview spricht Dial davon, die Oberflächen seiner Arbeiten zu schlagen, abzukratzen und sogar zu verbrennen. Wenn man Old Voices (2014) betrachtet, eine monochromatische, abstrahierte Oberfläche in dunklen Grau- und Brauntönen, beginnt man eine Hütte auftauchen zu sehen, hier eine Linie, dort ein Stück Blech. Es spielt gekonnt auf Innen- und Außenansichten, Vorder- und Grundrisse an, lässt sich jedoch nie nieder und benennt niemals die dort gefundenen Echos.

Zwei weiß getünchte Assemblagen bilden einen wichtigen Anker der Ausstellung. Der erste, der sich wiederum auf den Ort bezieht, versetzt uns in die Stadt (Intown Neighborhood [2013]). Eine zweite Ausstellung mit dem Titel „Ownership“ (2013) erinnert uns daran, dass es nicht nur darum geht, wo wir sind, sondern auch darum, wer dort die Macht innehat, und wendet sich wieder der Frage nach der Galerie selbst zu. Das Tünchen im ländlichen Süden war eine Methode, um die Peinlichkeit kahler Böden zu überdecken, und wir könnten uns vorstellen, dass Dial hier diese Beziehung sowohl zur materiellen als auch zur sozialen Geschichte heraufbeschwört. Mit diesen beiden weißen Gemälden reiht sich Dial auch in einen etablierten Kanon ein – von Kasimir Malewitsch bis Robert Ryman – und seine komplexen Oberflächen verdienen dort ihren Platz. Als er aufwuchs, hatte Dial, wie sein Sohn Richard erzählt, noch nie Kunst gesehen und wusste nicht wirklich, dass er sie machte, bis Holley 1987 den visionären Sammler und Kurator William Arnett mitbrachte. Wie man sich überhaupt die Kreativität dahinter vorstellt Wand ist eine weitere Frage der Show. Dial erzählt, wie er Dinge für den Friedhof herstellte, Angelköder herstellte, technische Lösungen für die Pullman-Fabrik entwickelte und Probleme löste. Seine Arbeit war konstant und improvisatorisch, bevor Arnett ankam, und das sollte auch so bleiben. Es ist von entscheidender Bedeutung, die Virtuosität zu beachten, mit der Dial den Grat zwischen der Vermittlung seiner Erfahrung und deren Abstraktion meistert. Es mag eine notwendige Form des Codewechsels gewesen sein, aber es ist auch als Kunst agil.

Eine Reihe von Zeichnungen von Dial konzentrieren sich auf die Figur, verschwommen und abstrahiert, und diese Bilder lesen sich fast wie Geisterzeichnungen, vielleicht Geister, die sich ständig verändern. In Under Construction (2006) halten zwei Frauen mit rosa Haut (und es sollte beachtet werden, dass einige dieser sieben Zeichnungen eher rosa als braune Hauttöne aufweisen) eine geradlinige Form mit einer zerkratzten und abstrakten Oberfläche – vielleicht ein Gemälde – und mich hoch Ich kann nicht umhin, mich zu fragen, ob er dort die zukünftige Rezeption der Kunstwelt gesehen hat. Frauen spielen in Dials Werken eine wichtige Rolle, da sie die Grundlage seiner Jugend bildeten, aber er muss auch die Gefahr gekannt haben, die von einigen weißen Frauen in seiner Umgebung ausgeht. Schwarze Frauen in seinen frühen Gemälden der Ausstellung, Untitled (1990) oder Watch the Cat Go Free (1990), haben Vögel auf ihren Köpfen/Hüten/Kopfbedeckungen in leuchtenden Farben und kräftigen abstrakten Strichen. Der Vogel diente Dial als ein weiteres fortwährendes Motiv für das Überfliegen und Überleben. Oft zitiert, und das aus gutem Grund, denn Dial wusste: „Meine Kunst ist der Beweis meiner Freiheit.“

Jane McFaddenist Professor und Lehrstuhlinhaber für Geistes- und Naturwissenschaften am Art Center College of Design in Pasadena.